EL VALOR DE LA CRÍTICA

Se pretende:

LA UNIVERSIDAD PREPARADA PARA UN CONTEXTO ARTÍSTICO EN MUTACIÓN

Se pretende:

• Poner en valor los conocimientos como valores instrumentales, utilizables en contextos concretos.
• Poner en valor de los conocimientos como principio de la reafirmación de nuestros espacios de acción.
• Evidenciar lo cambiante del contexto artístico, y la necesidad de que la Universidad acepte este cambio constante en sus enseñanza.

Estos temas expuestos se abordan el en siguiente PowerPoint:

FORMACION ARTÍSTICA en la universidad (PowerPoint, 50 kb)

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Me ha parecido interesante presentar este texto por su intento de crear espacios correctos de desarrollo de las artes.

En una sociedad mercantilista (postmoderna), es necesario que el producto artístico tenga unas vías de venta, de aplicación y de divulgación.

Para que funcione el mercado, debería haber una política clara de distribución de las ayudas, planteando: ¿Cuántos artistas puede sustentar el mercado?, ¿De qué manera se apoyarán, y divulgarán las obras de arte?, ¿Cuál será el proceso de inmersión de un artista joven dentro del mercado del arte?, ¿Cuáles serán los criterios para valorar la buena obra artística?, ¿Qué valor social tendrán?, ¿Qué personas serán las encargadas de decidir y proponer qué se incentivará?, y ¿a través de que instituciones?.

El “dejar hacer” al mercado no creo que sea la correcta política cultural. En este sentido he –rescatado- las recomendaciones que hace la Unión Europea para una buena financiación de las Artes y la Cultura (Noviembre de 2006).

Personas implicadas

Creo que en España hay personas, que desde su posición de galeristas o de estudiosos, están perfectamente preparadas para decir que arte es bueno. Personas que han demostrado creando eventos como ferias de arte, bienales, revistas especializadas, etc., que son personas comprometidas socialmente, y que tienen bastante capacidad para organizar eventos y discernir sobre cuestiones artísticas.

Por tanto, creo que para crear un buen clima artístico, es necesario crear una trama en la que los diferentes agentes estén correctamente entrelazados.

Implicar a sectores privados en el desarrollo de una política pública de la cultura, sería un buen comienzo para crear un buen clima artístico. Por ejemplo, los galeristas podrían ser los que propondrían a una “Comisión especializada” que artistas tienen interés. Después de que la comisión recogiera varías proposiciones de un mismo artista o colectivo, este pasaría a estudio y recibiría apoyo estatal.

Divulgación

Actualmente el principal medio de divulgación del arte son los periódicos y la televisión. La información que estos medios nos dan del arte es bastante parcial y analfabeta, y mas ayuda a empeorar la imagen que la gente tiene del arte que a mejorarla.

Por tanto, uno de los terrenos de acción sería el de dar una imagen más acorde con el interés que tiene. De ello se encargarían museos e instituciones con proyectos de divulgación y educación.

Finalidades:

Uno de las principales finalidades sería la de “objetivizar” el mercado bajo los criterios  de personas entendidas.

De esta manera, el grueso de la financiación debería estar en manos de especialistas de contrastado reconocimiento, y con un sentido amplio del arte.

Es necesario plantearnos que los creadores son profesionales de la creación, y por tanto, como profesionales, debe haber un ratio de artistas en consonancia con los que la sociedad puede absorber; de esta manera, se deberán crear una correcta política cultural.

La dirección del texto integro en Inglés es la siguiente: http://www.helgatruepel.de/fileadmin/user_upload/PDF-Datein/Financing_the_arts_and_culture_in_the_European_Union.pdf

En pocas décadas el museo ha pasado de tener las salas vacías, a ser un espacio abarrotado de gente. El  museo ha cambiado: el aspecto interior de sus salas, las personas que los vistan, y el valor simbólico dentro de la ciudad.

Ante esta realidad nueva, el museo se plantea la necesidad de organizar estos públicos, y de dar contenido a las visitas que recibe con una finalidad lúdica y formativa a la vez. La colección de obras que el museo posee toma ahora un valor de uso, más allá de la exposición lineal según épocas y estilos.

El museo es hoy un lugar para estar: darse un paseo, sentarse, reflexionar. El museo debe ser un lugar amable para el espectador.

El museo como productor de conocimiento

Remedios Zafra en un resumen de una ponencia titulada “Museo de Arte Contemporáneo, ¿Educación o Servicio?” habla sobre las funciones del museo:

“[X0y1 es una propuesta] de trabajo que sugiere cambios en las funciones de los centros de arte hacia el apoyo a la investigación-producción creativa y a la inclusión de nuevos agentes críticos y metodologías de trabajo y difusión más desjerarquizadas. En esta línea, quisiera reflexionar, o cuando menos interrogarme, sobre la viabilidad de la mutación de los centros de arte en motores de producción de conocimiento mediante un mayor estímulo de la investigación y la producción artística. Bajo la idea de que el mejor servicio público no es una mera subordinación a la sociedad, ni una mera instrumentalización como mediador didáctico del arte, sino su conversión en agente crítico que promueva la dotación de sentido y la producción de conocimiento en el contexto artístico y creativo contemporáneo.”

El museo es hoy un espacio de creación de conocimiento; una plataforma de trabajo para artistas. Es por ello que se habla hoy del museo como una institución mediadora: mediadora entre los artistas y el público.

Recepción de los públicos: VTC

El Visual Thinking Curriculum (VTC) es un programa escolar desarrollado por el Museo de Arte Moderno (MoMA), que tiene como objetivo ayudar a los estudiantes aprender a pensar y a hablar de arte. El programa ha sido desarrollado y perfeccionado en la última década, y actualmente se utiliza en muchos museos y escuelas.

Esta manera de enseñar se caracteriza por la posición predominante que tiene el alumno en el proceso de aprendizaje. El tutor de la actividad toma un papel secundario de cordinador de la actividad. Para comprender mejor el VTC teneis aqui un link de un artículo en el periódico “El Pais”:

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/Mira/cuadro/elpepisoc/19991115elpepisoc_24/Tes/

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La acción artística como generador de valor cultural. Descontextualización de la acción artística y la búsqueda de nuevos públicos.

Como nos explica George Yúdice, ya nos se ve a los públicos como preexistentes sino que a partir  de su “papel activo de productores, se da la aparición de articulaciones sociales nuevas… inéditas (en red, desjerarquizadas, descentralizadas, deslocalizadas…) de procesos artísticos y procesos sociales”

En este texto, el autor nos habla de la producción artística  como un ente organizativo dentro de un entramado institucional (dentro de este entramado institucional podemos incluir el museo).

El ejemplo que aquí se nos da es InSite97. Esta experiencia se organiza a través de unos directores que contratan a unos gerentes, que planifican y seleccionan a artistas para que planteen cuestiones en torno a un lugar y una temática. En este caso se interviene entre San Diego y Tijuana, lugar fronterizo entre EEUU y Méjico; se plantean cuestiones relacionadas con la frontera territorial, las ecologías urbanas, las comunidades y los públicos, las culturas locales y las tendencias artísticas. Son acciones que tienen como finalidad poner de manifiesto realidades territoriales y culturales.

Estas producciones artísticas no tienen un valor mercantil, ya que no pueden ser vendibles. Su valor radica en la dinamización de procesos autorreflexivos de los colectivos, en evidenciar problemáticas o paradojas. Así pues, InSite se plantea como un conjunto de acciones que funden el arte con la vida.

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“Para la cultura visual, el objeto de estudio siempre busca la intersección entre visibilidad y poder social”

N. Mirzoeff, What is Visual Culture, en The Visual Culture Reader.

“los estudios visuales están interesados en cómo las imágenes son prácticas culturales cuya importancia delata los valores de quienes las crearon, manipularon y consumieron”

K. Moxey, “Nostalgia de lo real. La problemática relación de la historia del arte con los estudios visuales”

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Los estudios visuales mas que refundar el concepto de “arte”, plantean el estrecho vínculo existente entre la sociedad y la imagen(es decir, lo visual).

Mediante esta disciplina se intenta entender que relación mantenemos con las imágenes en la generación de las ideas colectivas. Su planteamiento no es el generar un código de uso de la imagen, ni plantear que arte es el más apropiado hoy. Los estudios visuales tienen un origen analítico de las imágenes, y de cómo estas van generando su valor.

De una manera consecuente, los estudios visuales plantean sus teorías sobre las prácticas artísticas creadas por los artistas contemporáneos.

Así pues, sus estudiosos se quejan de la poca aplicabilidad de disciplinas como “la historia del arte” y “la estética” para valorar estas manifestaciones actuales, planteando la necesidad de reformular unos valores de la crítica más cercanos a la práctica.

Podeis encontrar más información en la web de la revista, donde estan los artículos en formato pdf. El  número 1 de la revista es bastante ilustrativo (diciembre de 2003). Este el el link a la revista:

Revista “Estudios Visuales”

Olafur Eliasson - The weather project 2003

He escogido a Olafur Eliasson para hablar sobre el artista contemporáneo.

Eliasson recoge la tradición de lo que es el arte visual, dándole una nueva perspectiva a la manera de plantear la obra tanto en el espacio público como en el privado. En los espacios públicos, es interesante como el autor interpreta los lugares donde va a intervenir, planteando visualmente preguntas sobre lo que les rodea. En general sus obras tienen algo de misterioso, grandioso, nos provocan curiosidad y nos producen ensimismamiento al mirarlas.

Otro de los aspectos interesantes es el proceso creativo. Este artista es el director de un extenso grupo de personas entre las que se encuentran matemáticos, físicos, biólogos, arquitectos, etc. Además de crear unas dinámicas de trabajo más ágiles, el trabajo en grupo aporta la visión de diferentes especialistas haciendo que los planteamientos de las diferentes obras sean muy dispares, y poliédricas.

El colectivo, además de producir obras de arte y eventos públicos, también desarrolla jornadas teóricas y de debate. En ellas, los mismos integrantes del colectivo, a los que se les suman invitados de diferentes países, aportan su visión sobre cuestiones relacionadas con la cultura visual.

Una referencia en la manera de trabajar colectivamente, y una referencia importante del arte actual.

http://www.olafureliasson.net/

http://media.moma.org/subsites/2008/olafureliasson/#/video3/

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Olafur/Eliasson/hace/brotar/cataratas/Nueva/York/elpepicul/20080627elpepicul_7/Tes

“A work of art is more than an object, more than a commodity. It represents a vision of the world, and if taken seriously must be seen as a way of making a world. A few signs marked on paper, a barely touched canvas, or a vast installation can amount to different ways of world-making”

Daniel Birnbaum, director de la bienal

Michelangelo Pistoletto - Twentytwo Less Two 2009

Quizás, lo más positivo de la visita a la bienal fue el ver obras actuales, una tras otra. Al principio veía obras que me gustaban unas más que otras; al llevar un rato en el Arsenale, empecé a distinguir algo que las unía como conjunto, aunque aún todavía no se exactamente qué. Quizás por como el  comisariao de la bienal planteó la muestra, dandole una especial importancia a los procesos de creación, las obras tenian una planteamientos comunes (o estándares) en sus procesos, aunque el resultado visible fuera heterogéneo.

Las obras más que obras en sí mismas, eran ensayos en el espacio (la mayoría eran instalaciones, en parte condicionado por el espacio expositivo).

Del Giardino, me interesó como estaba organizado el recinto: obras que hacían de portadas y nos marcaban los recorridos, otras que salían de los pabellones, otras que no sabías si eran obras o eran parte del jardín.

A medida que fue pasando el día, con el cansancio, mis prejuicios se debilitaron y me di cuenta que estaba más dispuesto a ver lo que se me queria mostrar.

De las obras que estaban expuestas, quizás las que me parecieron menos interesantes fueron las que eran objetos y que estaban colocadas sin ningún sentido exterior a ella; me terminaron pareciendo demasiado evidentes. Me interesaron las encargadas para un espacio singular o una fachada dentro de la bienal.

–k–

¿Porqué tener que hacer obras que este hechas para mirarlas? ¿No puede haber buenas obras que estén ahí, que nos acompañen o que ordenen nuestro alrededor, pero que no nos atraigan la atención?

Selección de fotos de la bienal

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